是什么极简主义者 音乐? 是打谷吗琶音第s个，共s个菲利普·格拉斯，全新的想法特里·莱利和拉蒙特·扬，尤其是纽约城市化斯蒂夫·莱奇，热情洋溢新浪漫主义属于约翰·亚当斯? 单个标签可以包含所有这些样式吗？我会这么说极简主义描述了所有这些东西，但没有定义它们。音乐中极简主义的出现，可能早在约翰·凯奇，代表了后现代主义我在这里的意思是，它代表了对高等艺术作为西方音乐创作的指导原则。从美国的角度来看，这意味着在许多方面摆脱了欧洲（特别是德国/奥地利）对音乐构思和创作方式的严重影响，并试图回归“正统”，在不受数百年文化遗产影响的情况下重新开始。
虽然极简主义的根源可能最早可以追溯到亨利·考威尔，它生长的地面种植得早得多。想想贝多芬吧。想想1824年。
贝多芬在历史学家称之为他的“第三个时期”完全失聪和跪着，首次公开了他的作品第九交响曲在1824年5月7日。当时似乎很少有人想到这会对音乐界产生什么影响。
无论你怎么评价贝多芬勇敢的交响乐，他创新的“第三乐段”，他丰富的室内乐作品，贝多芬真正持久的遗产在里面他的音乐，但更确切地说，后面贝多芬第九乐章真正值得注意的不是它所提出的创新，而是那些创新背后的思想、天才和动力。认为它是艺术.
天才在当时和将来都不是音乐的外来元素。人们几乎看不到莫扎特,约翰·塞巴斯蒂安·巴赫或任何其他坚定的巴洛克风格或经典他们被称为笨拙的白痴。但他们是在一个与贝多芬完全不同的环境中创作的，在这个时代，个性没有我们今天所赋予的那种英雄气概。古典和巴洛克时期的作曲家可能更适合被称为“工匠”而非“艺术家”，因为他们创作的作品并不总是被认为会震撼人心或改变世界。而且，一般来说，作曲家们自己并没有幻想他们的音乐应该做任何事，除了履行职能、要求或委托。
著名的康塔塔例如，巴赫的作品就很简单，所以每周都可以演奏一首新的。莫扎特在他的几部作品中经常使用流行习语，以加快创作进程。一般来说，作曲家可以在不受到严厉惩罚的情况下从彼此的作品中删除动机或主题，出版商有时会在他们从未写过的作品上附上作曲家的名字，以增加销量。
因此，虽然在贝多芬之前，伟大的作品都是从作曲家的笔下流出的，但并没有持续的压力要求创新和革命。这种强迫——任何新的工作都应该引起世界的注意——是从天才崇拜贝多芬为此树立了一个持久的标准。
这个天才崇拜始于围绕贝多芬痛苦存在的谣言/神话。他那令人毛骨悚然的耳聋，以及他与之进行的英勇而悲剧性的斗争；他的激情和爱国主义；他那奇异的热情。贝多芬是一个人物，绝不可能是这样，他的强度反映在他作曲的速度上。巴赫创作了一千多部作品。海顿完成了一百多首交响乐。然而贝多芬只完成了“九部”交响乐。他全力以赴地工作。
贝多芬的戏剧生涯和他史无前例的作品改变了音乐世界。后来的日耳曼/奥地利传统作曲家会发现，他们不仅面临着空白的一页，而且似乎不可避免地要与贝多芬进行比较。约翰·勃拉姆斯在这样的阴影下，他要到40岁以后才能完成他的第一部交响乐。其他作曲家试图沿着贝多芬帮助铺平的道路继续前进--古斯塔夫·马勒和华格纳他们都认为自己的作品是贝多芬帮助开创的声音和管弦乐队的综合。
一直引领这些后贝多芬作曲家的是一种强烈的愿望，那就是要把一些新的东西带到桌面上，成为“下一个贝多芬”。这还不足以创作出“像”贝多芬的第九首那样好的作品。创新是至关重要的，把以前没人听过的东西带到管弦乐队的舞台上，发表声明，实现真理艺术每个新的作曲家都被期望成为一个新的声音。高级艺术音乐蓬勃发展。
它崩溃只是时间问题。
德彪西与音乐反叛
法国人一直固执地反社会，受日耳曼传统的影响，从贝多芬开始，到19世纪末的瓦格纳，克劳德·德彪西（1862-1918）开始为独特的法国高艺术音乐奠定基础。
日耳曼传统中的和声语言变得令人担忧，几乎荒谬地复杂。德彪西摒弃了这种复杂性，使用了同样的音质，但采用了新的方式。相同的和弦一个世纪后，瓦格纳将困惑音乐理论家，并提供数十篇博士论文，而德彪西则可以以一种微不足道的方式使用。强调的不是响亮的功能，而是它的影响因此，术语“印象派."
德彪西的音乐之所以如此反日耳曼，不仅仅是因为他对复杂音质的处理。德彪西深入过去，从中世纪音乐，跨文化传播，尤其是爪哇人加梅兰，以获取灵感。窗外是贝多芬那傲慢的鬼魂。德彪西永远不会像晚期浪漫主义者那样试图超越贝多芬。
与此同时，俄罗斯充满了创新。虽然俄罗斯怪癖的根源与民族主义与反日耳曼/奥地利的热情相比，莫斯科和巴黎在音乐上的距离会越来越近，因为这两个城市的作曲家都在尝试新的调性和新的音乐方法。亚历山大·斯克里雅宾（1872-1915）体现了俄罗斯民族主义和法国实验之间的融合。
具有讽刺意味的是，德彪西自己的叛乱在自己的国家遭到了反击。法国人新古典主义者，通常称为六人组他不仅对瓦格纳倡导的过度浪漫主义提出了令人信服的论点，而且还对德彪西音乐中缺乏清晰性提出了有力的反驳。埃里克·萨蒂,普朗克，在较小程度上，莫里斯·拉威尔和普罗科菲耶夫，将使用德彪西之后的方法来处理音色，同时回归古典形式和旋律上的古典思维，从而避开瓦格纳和德彪西。
当时美国的高等艺术音乐并没有受到欧洲文化斗争的严重影响。尽管如此，美国的创新在20世纪初开始奠定了极简主义的根基，极简主义将反抗欧洲传统。而不是从既定但被忽视的文化历史或摆脱沉重的日耳曼文化的渴望中获得灵感天才崇拜，美国人从东方音乐中学到了很多东西。
二十世纪初的美国高等艺术音乐充满了古怪的天才。查尔斯·艾夫斯在许多方面，他象征着时代精神，因为他追求的音乐是个人的，符合自己的标准，避开了德国主导的学术界。然而，在这段历史中，最重要的是亨利·考威尔（1897-1965）。
科威尔在他的家乡接触过东方音乐和其他民族音乐旧金山，有着广泛的音乐输入，他的作品试图以单一的风格综合这种广泛的影响。因此，他是一个非常独立的人，他尝试新的声音、新的技术和新的符号方法，以表达一种在西方高等艺术音乐传统中闻所未闻的音乐。最著名的是他的作品女妖（1925），其中涉及从里面钢琴，演奏者拨动琴弦，另一个人踩下支撑踏板。如果这代表一种原型-预备钢琴，他的其他作品将代表对任意的程序。
同样重要的是，科威尔的同时代人，爱德加德·瓦雷斯（1883-1965）引入了其他一些对极简主义革命至关重要的思想。虽然瓦雷斯原籍法国，但他会来到美国并在那里安家。他于年抵达纽约后不久1915，他会在报纸采访中被引用：
“我们的音乐字母表必须丰富。我们也非常需要新的乐器……音乐家应该在机械专家的帮助下认真地回答这个问题。我一直觉得在我的工作中需要新的表达媒介。我拒绝只接受已经被听到的声音。我正在寻找的是新的技术媒介，它可以适应思想的每一种表达，并能跟上思想的步伐。"1
这一声明具有革命性，将指导瓦雷斯的整个职业生涯。他将大大扩展打击乐器演奏者可用的乐器，包括1931年的作品电离塞壬和其他史无前例的声音，而忽视了更传统和成熟的乐器和作曲方法；他只会为弦乐器因为它们太能唤起人们对早期浪漫主义的回忆。法国人和俄罗斯人的工作使西方高等艺术音乐陷入混乱。美国人的工作将削弱将西方高艺术音乐保持在传统狭隘浪漫主义概念范围内的墙壁。由1940，墙就要倒了。这一刻不算太快。
Schoenberg和天才崇拜
通过这一切，德国人和奥地利人并没有坐视不管。他们正忙于为这个时代创作自己的音乐。如果不是因为他们的工作，这产生了一个庞大的学术和彻底现代音乐，极简主义不会有足够的敌人来反抗，也可能永远不会有人支持它成为有影响力的运动。
阿诺德·施恩伯格（1874-1951）在19世纪末的高度浪漫主义和20世纪的用户友好无调性之间建立了联系。在他职业生涯的不同时期，他创作了两种传统的音乐。
勋伯格可能最著名的创新是十二音体系音乐只有在确信瓦格纳、马勒和施特劳斯所倡导的日益增长的半音主义本身正朝着无调性的方向发展之后，才能实现这一创新。所以，按照传统天才崇拜Schoenberg会尝试与晚期浪漫主义做些什么，就像瓦格纳试图与早期浪漫主义做点什么一样——做得更好。给桌子带来新东西。让世界侧耳而听。
晚期浪漫主义音乐被色彩主义“音调“几乎在古代变得毫无用处。很难听到一首曲子的调性，尽管理论上你可以坐下来分析一首曲调来确定它的调性以及定义其形式的复杂关系，但在许多晚期浪漫主义日耳曼/奥地利传统的音乐中，这样做几乎无助于理解，因为传统的谐波原理被打破的程度几乎与它们被遵循的程度一样。总之，混乱.
勋伯格的十二吨那个么，这种方法就是试图给那个声音带来秩序——从不同的角度看待高色彩音乐。十二音音乐以其更全面和广泛的形式，连载主义将彻底改变学术界和日耳曼/奥地利领域。这个第二维也纳乐派由勋伯格组成，阿尔班·贝尔格（1885-1935），以及韦伯恩（1883-1945），将发展和完善十二音语言，创作出刺激理论家和折磨不幸音乐学生几十年的作品。
因此，勋伯格代表了德国/奥地利天才崇拜的百年巅峰。他是一位现代贝多芬。不幸的是，他的遗产使世界发生了巨大的变化。世界不再寻找新的贝多芬了。对天才的崇拜已奄奄一息。
新的呼吸将从前卫的美国。
如果你和我一样对这一点感到有点困惑，你就会部分地理解二十世纪中叶作曲家面临的问题。The legacies of斯特拉文斯基,六人组,俄罗斯小手，以及维也纳第二学校所有这些都支配着现代意识。学术界正处于连环画的全盛时期，它产生了一种并非所有人都喜欢的现代音乐，这并不是什么秘密。那么，一个有独立思想的美国作曲家该怎么办呢？
如前所述，事实证明，美国特别容易受到东方的影响。约翰·凯奇（1912-1992）自己深受东方思想的影响。科威尔和瓦雷斯都会影响凯奇的音乐观念。
凯奇在许多方面打破了定义音乐“应该”是什么的最后障碍——什么是音乐艺术是。从瓦雷斯那里，他对什么是“音乐”有了广泛的概念——事实上，凯奇认为音乐是声音的一种组织，声音可以是任何声音，而不是特定的语调、音色或家族。从科威尔那里，他有一种用传统乐器进行实验的嗜好。结果是一个广泛而多样的曲目。
凯奇以其几项开创性的作品而闻名。伊斯钢琴独奏奏鸣曲和间奏曲（1948）是为了预备钢琴不同尺寸的螺丝和螺栓将被放置在钢琴内，紧靠琴弦，以便在敲击对应于各个键的键时产生独特的冲击或和声效果。这个变化的音乐（1951）是一个任意作曲方法的实验，音乐的所有元素都是通过易经他还尝试了表演方面的任意音乐想像的风景画s（1939-1952年创作了一系列五首），其内容不仅取决于凯奇的符号，还取决于用作“乐器”的电子设备可能发出的任何声音。
凯奇的第一首真正触及极简主义核心的作品是他的著名作品，4英尺33英寸这首曲子需要一位音乐家（通常是钢琴家）走上舞台，准备演奏，以及。。。四分三十三秒内不得上场。
从一个角度来看，这首曲子是任意的，因为“音乐”是当时会出现的任何声音，无论是你旁边的人的呼吸，前排的人移动他的体重，还是外面经过的救护车的声音。另一方面，它是最纯粹形式的极简主义，将作曲家几乎完全从作品中移除，将作曲内容减少为零。这两种观点都符合凯奇的东方倾向。自我、英雄艺术家、天才崇拜都被消灭了。
因此，极简主义诞生了。
极简主义初创期
第一代极简主义者很难被认出来；他们的音乐常常是“极简主义”和“任意性”。将他们结合在一起的是一种愿望，即将高艺术音乐带到一个更基本的基础上，以最少的音乐材料重新开始。但确切地说，这听起来像什么，有待解释。
最早的极简音乐与视觉艺术中的极简主义有着密切的相似之处。拉蒙特·扬（1935-）创作了他的弦乐三重奏1958年，当时还是一名学生。乐曲的前五分钟完全由三个音符组成，每个乐器一个音符。伊斯死亡赞美诗（1961）作为作曲工具引入了重复。因此，到目前为止，极简主义是通过缺乏形式和旋律材料来实现的。同时咏唱仍受某些任意性原则的制约，因为精确的乐器演奏是灵活的，重复是免费的（即，表演者可以随意重复或少重复）
而La Monte Young将继续探索更多概念性作品和东方音乐（他与印度歌手合作的作品普兰·纳特尤其值得注意），另一位作曲家，特里·莱利（1935-）将为极简主义音乐提供一条重要的发展轨迹。他尝试重复旋律模式，并开始使用磁带循环作曲，这是后来极简主义者采用的技术。
莱利在这里最著名的作品，在C中（1964），由不确定数量的音乐家演奏未指定乐器组成，演奏特定注释的旋律片段不确定次数，他们在乐曲中的前进受到一些简单规则的限制。由于这首曲子最小化了旋律材料和形式内容，它可能被称为“极简主义”，而与此同时，它无疑是自然而然的。
尽管这些作品的任意性内容，但使极简主义者成为“极简主义”的并不是他们对任意程序的兴趣。相反，最好把“极简主义”看作是用任意技术进行实验的副产品。
青少年时期的极简主义
作曲家们斯蒂夫·莱奇（1936-）和菲利普·格拉斯（1937年-），虽然从技术上讲不是“下一代”，但会借鉴他们前辈的极简主义，创造出与任意音乐不同的东西。他们俩都有不同的地方。
Reich非常喜欢磁带回路s、 录制的声音会一遍又一遍地重复，让一个声音与自身并置，首先是一致的，然后慢慢地使它们失去相位，这种技术称为相移.存在一些磁带工作--天要下雨了（1965年）和出来吧（1966）代表了他最早的磁带循环作品。磁带回路将激励现场音乐家进行相移，如钢琴阶段(1967),小提琴相位（1967），以及拍打音乐(1972). 磁带循环定义了一点赖克的音乐美学，其特点是节奏规则且强烈，重复自然旋律材料。随着赖克风格的发展，他将开始尝试添加过程，同时也为现场演奏者充实他的音乐。雷奇的现代风格包含了重复、强烈的节奏和极简主义音乐的悦耳音调，并放弃了他早期作品中的朴素风格。
格拉斯从一开始就更多地参与现场音乐家的演奏，而不是磁带回路，同时也从印度音乐家那里获得了大量灵感。这种影响在他使用加法过程中很明显，即一个给定的旋律单位将被重复若干次，然后该单位将被再重复几次，这一次是在原始旋律单位的末尾或开头附加一些音符。新的单元本身将被添加到，从而通过一个非常简单的添加过程实现单个想法的长期发展。由于他的音乐是为现场音乐家准备的，所以他早期的音乐已经比赖克早期的音乐更加丰富多彩。
随着音乐的发展，格拉斯开始使用简单的和声进行，这标志着他从最严格的极简主义转向了更为发达的“极简主义方法”来创作真正有吸引力的音乐——在现代音乐发展了六七十年后，这一概念变得不同寻常。海滩上的爱因斯坦（1975），虽然在许多方面“抽象”，但标志着他严格极简主义作品的终结和他更现代风格的开始。
我相信，正是这种更现代的风格将他与流行音乐联系在一起，而流行音乐从未像西方高级艺术音乐家那样放弃调性。从“高艺术”到“低艺术”的音乐出现了前所未有的思想流，也许他的“英雄”交响曲就是最好的例证，该交响曲部分基于布赖恩·埃诺和大卫·鲍伊.
格拉斯回归音调的同时，也伴随着西方高等艺术音乐中的一个类似运动，导致了有时被称为“新浪漫主义，”但可能更广义地描述为“你实际上可以忍受的音乐。”
这让我们回到了现在。
我们所知的极简主义
那么，什么是极简主义者 音乐? 如今，极简主义音乐没有二十世纪中叶的前卫风格。在许多方面，这是一种新的“建立”。正是音乐利用重复来充实简单的旋律/节奏模式，同时使用简单的加法/减法程序。这是一种结构简单的音乐，通常避免使用诸如对位，同时仍然在更大、更简单的范围内提及漫长的西方音乐史。这是一首外表优美、易于把握的音乐，可以赢得奥斯卡奖和对真正音乐家的接受。
这就是我们这个时代的音乐。
1摩根，第306-7页。
引用的作品:格鲁特、唐纳德·杰伊和帕里斯卡、克劳德·V。西方音乐史第五版。诺顿，1996年。
罗伯特·P·摩根。二十世纪音乐诺顿，1991年。
拉尔夫·图雷克。音乐分析选集，第二版。McGraw-Hill，1992年。
最后，a免责声明.我不是专家。我甚至没有研究生学位（然而）。如果你更了解我，告诉我吧，我会做一件大事忏悔，并更正错误.