音乐

音乐是一种与声音和沉默。它表示为抛,节奏,和谐、和音色音乐在时间上通过构造复杂的生成形式模式和组合自然刺激，主要是声音。作为一种人类活动，音乐可以用于艺术的或审美,交际的,娱乐或仪式目的。这个定义音乐的构成因文化和社会背景而异。

音乐的定义

另请参见：音乐流派

最广泛的音乐的定义与…有关声音和沉默以及它们在时间中的进展。这两个元素可以以几乎无限的方式组织，从完全随机性到高度构造的系统。音乐最重要的是一种人类表达形式，它可以根据个人或群体的选择变得简单或复杂。不同文化和历史的音乐种类繁多。

希腊哲学家中世纪理论家将音乐定义为水平排列的音调旋律，垂直方向为和声.音乐理论在这一领域中，研究音乐的前提是，音乐是有序的，而且常常是悦耳的。然而，在20世纪，作曲家们通过创作探索更严酷、更黑暗的音乐，挑战了音乐必须令人愉快的观念音色.一些现代人的存在体裁例如死亡金属和研磨芯这表明，即使是最刺耳的声音也可以被视为音乐，如果听者如此倾向的话。

20世纪作曲家约翰·凯奇不同意音乐必须由悦耳可辨的旋律组成的观点。相反，他认为我们能听到的任何声音都可以是音乐，比如说，“没有噪音，只有声音，“[2]根据音乐学家的说法珍妮·雅克·纳蒂兹，“音乐和噪音之间的界限总是由文化定义的——这意味着，即使在一个单一的社会中，这种界限也不总是通过同一个地方；简而言之，很少有共识……所有人都认为单一的和跨文化的定义音乐可能是什么的通用概念。”

作曲家韦伯恩他说：“对我来说，事情从来都不会像我希望的那样发展，而只是按照注定的方式发展——我必须如此”，这阐述了他对音乐潜在生成过程的看法。约翰·沃尔夫冈·冯·歌德认为模式和形式是音乐的基础；他说：“建筑是凝固的音乐。”

历史

另请参见：音乐和政治

音乐与人类的关系史早于文字，与人类的发展和独特表达息息相关文化自从文明诞生以来，音乐影响了人类，反之亦然。音乐表达的最早形式是在娑摩吠陀印度。不同文化、不同时期的流行音乐风格差异很大。不同的文化强调不同仪器或技术。音乐历史它本身是音乐学和历史主要研究西方音乐的时间发展。音乐也被广泛用于宣传.

由于对音乐有很多定义，所以对音乐有许多划分和分组，其中许多都陷入了对音乐定义的争论中。在较大的流派中有古典音乐,流行音乐或商业音乐（包括摇滚乐),乡村音乐和民间音乐.

对于什么是“真正的”音乐，人们常常存在分歧：后期贝多芬弦四重奏，斯特拉文斯基芭蕾舞乐谱，连载主义,贝博普-时代爵士乐,说唱,朋克摇滚、和电子乐当他们第一次被介绍时，都被一些评论家认为是非音乐类的。

术语世界音乐已被广泛应用于欧洲以外的音乐以及受欧洲影响的音乐，尽管其最初应用于卫斯理大学作为一个术语，包括所有可能的音乐流派，包括欧洲传统。（在学术界，最初用于研究世界音乐的术语“比较音乐学”在20世纪中叶被“民族音乐学”取代，一些人仍然认为这是一种令人不满意的说法。）

音乐流派往往是由传统和表现决定的，正如实际的音乐一样。虽然大多数古典音乐是原声音乐，意在由个人或团体演奏，但许多被描述为“古典”的作品包括样品或磁带，或者是机械的。有些作品，比如格什温的蓝色狂想曲爵士乐和古典音乐都声称。

作为世界文化接触更多，他们的本土音乐风格经常融合成新的风格。例如，美国蓝草风格包含了盎格鲁-爱尔兰、苏格兰、爱尔兰、德国和一些非洲-美国器乐和声乐传统的元素，这些传统能够融合在美国的多民族“熔炉”社会中。

许多电流音乐节庆祝一部特定的音乐剧体裁.

音乐的各个方面

传统的或古典的欧洲音乐的各个方面通常列出的是那些在欧洲受影响的古典音乐中占据首要地位的元素：旋律,和谐,节奏,色调或音色、和形式通过陈述声音的各个方面，给出了一个更全面的列表：抛,音色,响度、和期间.这些方面结合起来创建了次要方面，包括结构,纹理和风格。其他常见的方面包括声音、手势和舞蹈的空间位置或空间运动。

沉默长期以来，人们一直认为沉默是音乐的一个方面，从浪漫主义交响乐中的戏剧性停顿，到20世纪约翰·凯奇（John Cage）等作品中作为艺术表现的先锋式沉默4'33”约翰·凯奇认为持续时间是音乐的主要方面，因为它是“声音”和“沉默”唯一共同的方面

如上所述，不仅音乐所包含的方面不同，它们的重要性也不同。例如，在古典音乐中，旋律和和声往往被认为更为重要，而牺牲了节奏和音色。人们经常争论音乐的某些方面是否具有普遍性。争论往往取决于定义。例如，普遍认为“调性”对所有音乐都是通用的，这就要求对调性有一个广泛的定义。

A类脉冲有时被视为一种普遍的音乐，但也有一些独唱和器乐流派，具有自由、即兴的节奏，没有规律的脉搏；一个例子是阿拉普a的部分印度斯坦音乐性能。根据戴恩·哈伍德，“我们必须问，跨文化音乐的普遍性是否存在于音乐本身（无论是其结构还是功能）或音乐的创作方式中。通过‘音乐创作’，我不仅想要实际的表演，还想要如何听到、理解甚至学习音乐。”

生产

音乐的创作和演奏有多种目的，从审美愉悦、宗教或仪式目的，或作为市场上的娱乐产品。业余爱好者音乐家创作和表演音乐是为了自己的乐趣，他们并不试图从音乐中获得收入。专业音乐家受雇于各种机构和组织，包括武装部队、教堂和犹太教堂、交响乐团、广播或电影制作公司以及音乐学校。此外，专业音乐家作为自由职业者工作，在各种环境中寻求合同和合约。

虽然业余音乐家与专业音乐家的不同之处在于业余音乐家的收入来源于非音乐，但业余音乐家和专业音乐家之间往往有许多联系。初出茅庐的业余音乐家与专业音乐家一起上课。在社区环境中，高级业余音乐家与专业音乐家在各种合奏团和管弦乐队中表演。在一些罕见的情况下，业余音乐家能够达到专业水平，并且能够在专业表演环境中表演。

为了现场观众的利益而表演的音乐与通过音乐零售系统或广播系统录制和分发的音乐之间通常存在区别。然而，也有许多情况下，在观众面前的现场表演被录制和分发（或广播）。

性能

演奏、作曲或指挥音乐的人是音乐家。音乐家演奏音乐有多种原因。一些艺术家用音乐表达他们的感情。表演音乐对于业余和专业音乐家来说是一项令人愉快的活动，通常是为了观众的利益，观众从表演中获得一些美学、社会、宗教或礼仪价值。专业表演者的部分动机是他们从制作音乐中获得收入。音乐不仅是一种收入来源的动机，而且已经成为生活和社会的一部分。正如俗话所说的“为了对音乐的热爱”，允许一个人通过自身内在的动机获得动力。同时，音乐是在练习的背景下进行的，是一种发展音乐技能的方式。

独奏和合奏

许多文化中都有独奏或独奏性能，例如在印度古典音乐以及西方艺术音乐传统。其他文化，如巴厘岛，包括强大的传统组性能。所有文化都包括这两者的混合，表演可以从即兴独奏到高度策划和组织的表演仪式，如现代古典音乐音乐会或宗教游行.

室内乐这是一个小型合奏乐团的音乐，每种乐器不超过一种，通常被视为比交响乐的作品。表演者被称为音乐家或者歌手，他们可能是音乐合奏例如摇滚乐队还是交响乐管弦乐队.

口头传统和记谱

音乐通常只保存在记忆和表演中，并流传下来口头或听觉（“通过耳朵”）。当作曲家不再为人所知时，这种音乐通常被归类为“传统”音乐。不同的音乐传统对如何以及在哪里对原始素材进行更改有不同的态度，从非常严格的更改到需要的更改即兴创作或修改音乐。在西非的冈比亚，该国的历史是通过歌曲口头传播的。

当音乐被写下来时，通常都会被记下来，以便有关于听众应该听到什么以及音乐家应该做什么来演奏音乐的指示。这被称为音乐符号以及如何阅读符号的研究涉及音乐理论、和声、表演实践的研究，以及在某些情况下对历史表演方法的理解。

书写符号因音乐的风格和时期而异。在西方艺术音乐中，最常见的书写符号类型是乐谱，其中包括合奏曲的所有音乐部分，以及为单个表演者或歌手准备的乐谱部分。在流行音乐、爵士乐和布鲁斯音乐中，标准的音乐符号是引导乐谱，它记录音乐的旋律、和弦、歌词（如果是声乐作品）和结构。尽管如此，乐谱和乐章也用于流行音乐和爵士乐，尤其是大型合奏，如爵士乐“大乐队”

在流行音乐中，吉他手和电贝司演奏者经常阅读列表中标注的音乐，该列表使用吉他或低音指板的图表指示乐器上要演奏的音符的位置。在巴洛克时期，塔布拉图尔也被用来为琵琶（一种弦乐器）记谱。

通常，要演奏的音乐制作为乐谱从记谱法演奏音乐需要理解音乐风格和与音乐或流派相关的表演实践。音乐符号中明确包含的细节因流派和历史时期而异。一般来说，从17世纪到19世纪的艺术音乐记谱法要求表演者对表演风格有大量的背景知识。

例如，在17世纪和18世纪，为独奏演员录制的音乐通常表示简单、无装饰的旋律。然而，预计表演者会知道如何添加适合风格的饰物，如颤音和旋转。

在19世纪，独奏者的艺术音乐可能会给出一个一般性的指导，例如如何表现音乐，而没有详细描述演奏者应该如何做到这一点。预计表演者会知道如何使用节奏变化、重音和停顿（以及其他手段）来获得这种“表现力”的表演风格。

在20世纪，艺术音乐记谱法往往变得更加明确，并使用一系列标记和注释来向表演者指示他们应该如何演奏或演唱作品。在流行音乐和爵士乐中，音乐记谱法几乎总是表示旋律、和声或演奏方法的基本框架；音乐家和歌手应该了解与特定流派和作品相关的表演惯例和风格。

例如，爵士乐曲调的“导语表”可能只表示旋律和和弦的变化。爵士乐团的演奏者应该知道如何通过添加装饰物、即兴音乐和和弦伴奏来“充实”这一基本结构。

即兴创作、口译、写作

大多数文化至少使用了部分先入为主的音乐材料的概念，或作文如西方古典音乐中所说。即使音乐被精确地记下，表演者仍然需要做出许多决定。表演者决定如何演奏之前作曲和记谱的音乐的过程被称为解释.

在一些音乐流派中，如爵士乐和布鲁斯，表演者有更多的自由参与即兴创作在基本的旋律、和声或节奏框架上。在一种称为自由即兴创作是指在表演时自发“想到”（想象）的材料，不先入为主。根据乔治亚娜·科斯特斯库（Georgiana Costescu）的分析，即兴音乐通常遵循风格或体裁惯例，甚至“完全作曲”也包括一些自由选择的材料（参见预合成的). 写作并不总是意味着使用符号或已知的某个人的唯一作者。

音乐也可以通过描述可能产生音乐声音的“过程”来确定，例如风铃，通过选择声音的计算机程序。包含偶然选择的元素的音乐称为任意音乐，通常与约翰·凯奇和维托尔·卢托斯·奥夫斯基.

组成

音乐作品是一个描述作文一段音乐。作曲的方法千差万别，然而在分析音乐时，所有形式——自发的、经过训练的或未经训练的——都是由组成音乐作品的元素构成的。音乐可以为重复表演而创作，也可以即兴创作的; 当场合成。音乐可以完全从记忆中，从音乐符号或两者的组合。传统上，对作文的研究主要是考试方法和实践西方古典音乐，但作曲的定义足够宽泛，包括自发即兴创作的作品，如自由爵士乐表演者和非洲的鼓手。

理解一首曲子的构成最重要的是挑出它的元素。对音乐的理解形式元素有助于准确解读作品的结构。音乐的一个普遍元素是声音是如何在时间，称为节奏一段音乐。

当一块看起来有变化时时间-感觉，它被认为是在鲁巴托时间，一个意大利人表达式，该表达式指示速度这首曲子的变化以适应表演者的表达意图。甚至随机放置随机声音，发生在音乐蒙太奇，发生在某种时间，因此雇佣时间作为音乐元素。

接待和试镜

的字段音乐认知包括对音乐的许多方面的研究，包括听众是如何处理音乐的。

音乐是个人在一系列社交场合中体验的，从独处到参加大型音乐会。音乐表演在不同的文化和社会经济环境中有不同的形式。在欧洲和北美，什么类型的音乐被视为“高文化”和“低文化”之间往往存在分歧。“高文化“类型的音乐通常包括西方艺术音乐，如巴洛克、古典、浪漫和现代交响乐、协奏曲和独奏曲，通常在音乐厅和教堂的正式音乐会上都能听到，观众安静地坐在座位上。

另一方面，其他类型的音乐，如爵士乐、布鲁斯、灵魂音乐和乡村音乐，通常在酒吧、夜总会和剧院演出，观众可以在那里喝酒、跳舞，并通过欢呼表达自己。直到20世纪末，“高”和“低”之间的划分音乐形式被广泛接受为一种有效的区分，它将质量更好、更高级的“艺术音乐”与酒吧和舞厅中流行的音乐风格区分开来。

然而，在20世纪80年代和90年代，音乐学家研究了“高”和“低”音乐流派之间的这种明显差异，认为这种区别并不是基于不同类型音乐的音乐价值或质量。相反，他们认为这种区别主要是基于不同类型音乐的表演者或观众的社会经济地位或社会阶层。

例如，古典交响乐音乐会的观众通常收入高于平均水平，而市中心嘻哈音乐会的观众收入可能低于平均水平。尽管表演非“艺术”音乐的表演者、观众或场所的社会经济地位可能较低，但表演的音乐，例如布鲁斯,嘻哈音乐,朋克,恐惧，或矽卡岩可能非常复杂和复杂。

聋人人们可以通过感受身体的振动来体验音乐，如果个人持有一个共振的空心物体，这个过程就会得到加强。著名的聋人音乐家是作曲家路德维希·范·贝多芬他在完全失聪后仍创作了许多著名作品伊夫林·格伦尼他是一位备受赞誉的打击乐器演奏家，自十二岁起就失聪克里斯·巴克，一位失聪的小提琴演奏家。

更多信息：心理声学

媒体和技术

作曲家创作的音乐可以通过几个媒体; 最传统的方式是现场聆听，在音乐家面前聆听，或者作为音乐家之一聆听。现场音乐也可以通过收音机,电视或互联网一些音乐风格侧重于为表演制作声音，而另一些则侧重于制作一段录音，将从未“现场”播放过的声音混合在一起。录音，即使是基本上是现场直播的风格，也经常使用编辑和拼接功能来制作被认为比实际性能“更好”的录音。

自从引入立法来帮助保护表演者、作曲家、出版商和制作人以来，包括美国1992年的《家庭录音法》和英国1979年修订的《伯尔尼保护文学和艺术作品公约》，录音和现场表演也变得更容易通过计算机、设备和互联网进行访问，这种形式通常被称为音乐点播.

在许多文化中，表演和听音乐之间的区别较小，因为实际上每个人都参与某种音乐活动，通常是集体性的。在工业化国家，通过录音形式听音乐，例如录音或观看音乐视频大约在20世纪中叶，比现场表演更常见。

有时，生活表演合并预先录制的声音。例如流行音乐播音员使用光盘记录对于刮伤一些20世纪的作品有一个乐器或声音的独奏，与预先录制到磁带上的音乐一起演奏。计算机和许多键盘可以编程制作和播放MIDI（MIDI）音乐。观众也可以成为表演者使用歌厅由日本人发明，它使用音乐视频和没有声音的曲目，因此表演者可以在乐曲中添加自己的声音。

教育类

一些文化和音乐流派的专业音乐家在没有经过正式培训的情况下创作、表演和即兴创作音乐。专业音乐家通常是自学成才或通过非正式指导和创造性交流学习的音乐流派包括布鲁斯、朋克和流行音乐流派，如摇滚和流行音乐。

音乐本科学位，包括音乐学士，的音乐教育学士、和文学学士主修音乐通常需要三到五年才能完成。这些学位为学生提供了音乐理论和音乐史的基础，许多学生还学习乐器或学习歌唱技巧，作为他们课程的一部分。

音乐本科毕业生可以继续在音乐研究生课程中深造。研究生学位包括音乐硕士，的艺术硕士，的哲学博士，最近音乐艺术博士或DMA。音乐硕士学位通常授予学习乐器、声音或作曲表演的学生，需要一到两年的时间才能完成。艺术硕士学位通常授予学习音乐学、音乐史或音乐理论的学生，需要一到两年的时间才能完成，通常需要一篇论文。

想要成为音乐学、音乐史或音乐理论方面的大学教授的学生需要获得博士学位，在获得硕士学位后需要学习三到五年，在此期间，学生将完成高级课程并进行论文研究。音乐艺术博士（DMA）是一个相对较新的学位，旨在为想成为音乐表演或作曲方面大学教授的专业演员或作曲家提供证书。DMA在获得硕士学位后需要三到五年的时间，包括高级课程、项目和表演。

音乐作为普通教育的一部分

音乐培训的合并就学前的在北美和欧洲，接受中学后教育是很常见的，因为人们认为，参与音乐教育可以教授一些基本技能，例如注意力集中，计数、倾听和合作同时促进对语言，提高回忆信息，创造一个更有利于其他领域学习的环境。在小学里，孩子们经常学习演奏录音机等乐器，在小合唱团唱歌，学习西方艺术音乐的历史。在中学，学生可能有机会表演一些类型的音乐合奏，例如唱诗班,行进乐队,爵士乐队，或管弦乐队在一些学校系统中，可能会开设音乐课。

在大学在这个层次上，大多数艺术和人文学科的学生都可以获得音乐课程的学分，这些课程通常采用音乐史概述课程的形式，或者音乐欣赏这门课程的重点是听音乐和学习不同的音乐风格。此外，大多数北美和欧洲大学都有一些非音乐专业学生可以参加的音乐合奏，如合唱团、行进乐队或管弦乐队。

在北美和欧洲以外，对西方艺术音乐的研究越来越普遍，例如STSI公司在里面巴厘岛或在韩国、日本和中国等亚洲国家提供的古典音乐节目。与此同时，西方大学和学院正在拓宽其课程，以包括非西方文化的音乐，例如非洲音乐或巴厘岛（例如Gamelan音乐）。

业余和专业音乐家通常都会音乐课，与个别教师进行简短的私人会谈。业余音乐家通常学习音乐基础知识和初级到中级的音乐技巧。

书房

许多人也在学习关于音乐领域音乐学.最早的定义音乐学定义了三个子学科：系统音乐学,历史音乐学、和比较音乐学在当代学术中，人们更容易遇到学科划分音乐理论,音乐史、和民族音乐学音乐学的研究经常通过跨学科的工作来丰富，例如在心理声学非西方文化的音乐研究和音乐的文化研究民族音乐学.

在中世纪当时，音乐研究是Quadrivium公司七个人中的一个文科被认为对高等教育至关重要。在数量范围内Quadrivium公司、音乐或更准确地说谐波是对合理比例的研究。

动物音乐学是研究非人类动物的音乐，或非人类动物发出的声音的音乐方面。正如乔治·赫尔佐格（George Herzog，1941）所问的那样，“动物有音乐吗？”Musique，神话，自然，ou les Dauphins d’Arion（1983），使用鲁韦特的技术研究“鸟类音乐学”语言、音乐、poésie（1972）范式分割分析表明，鸟鸣是根据重复变换原理组织的。在珍妮·雅克·纳蒂兹（1990），“归根结底，是人决定什么是音乐，什么不是音乐，即使声音不是人类起源的。如果我们承认声音不是仅仅由其制作者组织和概念化的（也就是说，形成音乐），而是由感知它的头脑来组织和概念，那么音乐就是独特的人类。”

音乐理论是对音乐的研究，通常是在其他学科之外以高度技术化的方式进行的。更广泛地说，它指的是对音乐的任何研究，通常以某种形式与作曲有关，可能包括数学、物理学和人类学。在开始的音乐理论课上，最常教的是以共同执业期，或调性音乐理论，即使是研究一般实践时期音乐的理论，也可能有许多其他形式。音乐集合论是数学的应用集合论音乐，首先应用于无调性音乐.思辨音乐理论，与分析音乐理论，致力于音乐材料的分析和合成，例如调谐系统通常用作合成的准备。

用于治疗

罗伯特·伯顿他在16世纪的经典作品中写道，忧郁的解剖音乐和舞蹈对治疗精神疾病，尤其是抑郁症至关重要。