理论、实践和协议在公共领域与Rachel Fermi合作。

参与这一课题的研究 艺术家:

The following shows how art has become very public indeed. The following information was found on google search/images.

Some of the pieces that have been created are amazing and worth a look.

Enjoy the read and looking at the pictures also.

 

Beverly Naidus: Eden Reframed

Beverly Naidus (born 1953) is an American artist, author and current faculty member of 华盛顿大学塔科马校区She is the author of several artist books including 一个大小不适合所有 (1993)和 这是什么Kinda Name? (1996)已在该领域包括Paul Von Blum学术讨论, 利帕 综述当代期刊。她已经收到多个补助包括马萨诸塞州文化协会摄影艺术家的资助(2001)资助她的艺术创作与教学。她还曾在安迪沃霍尔基金会和创意资本的艺术作家补助计划的决赛(2007)。她最近的一本书 艺术变化:框外的教学 (2009年)[ 1 ] 她个人的教育教学和社会参与的艺术创造。[ 2 ] 她还提出让学生才是最重要的。[ 3 ][ 4 ] 

土壤修复的植物和蘑菇示范。在花园的中心是一个故事的蜂巢房屋的农民和园丁在岛上谁回答问题的故事:你为什么植物种子在生态危机的时代?

月12日,2014日,

伊甸园的重新定义,得到一个巨大的推动通过新成立的伊甸园社会

所以很明显我缺乏张贴在这个博客,我没有为这个项目花费的时间和精力。虽然我已举办活动的二至点和二分点在伊甸重新定义始终自9月2011,过去两年一直全速要求在其他方面我的生活和实践。所以就因为这个原因,我非常地感激Vashon民间形成了维护和滋养这个生态艺术项目的伊甸社会。因为它是第一个也是唯一的食物森林在瓦雄,也许在普吉特海湾的第一,这个项目不会陷入失修或被杂草堵塞是很重要的。如果你有加入伊甸社会感兴趣,请联系Margot Boyer mfboyer@speakeasy.net–下次会议是在伊甸园重新定义月第十四日下午4时。这里是一些了不起的人的伊甸园社会谁出来月第十张照片,2014清除杂草和返回的项目最好的自我。感谢Margot Boyer,Nan Wilson,Swaneagle Harjian,Phillip Devanter,查利和伊丽莎白。 

我喜欢上面的介绍生态园林是做一个了不起的事情,我想在未来鼓励我的当地社区一起创造的东西值得这样做。它 给幸福感和鼓励人们关心我们所生活的地球上。它教育和不断给出提醒玩在行星保护的一部分,这是多么简单。

Joseph Beuys:7000橡树

在志愿者的帮助下,他种植了7000 橡树在过去的几年里  树卡塞尔, 德国,每一个有其 玄武岩 石。对设置工作粗放的城镇化是一个广泛的艺术生态的干预与持久改变的城市生活空间的目标。该项目,但在第一次的争议,已经成为卡塞尔市城市景观的重要组成部分。

艺术品,大约2008。

该项目是巨大的范围,并会见了一些争议。而该项目最大的困难是筹集资金,该项目有其对手。这是政治上的,由基督教民主党主导的保守的州政府。(卡塞尔市的市长是社会民主党人站在博伊斯)。有些人认为黑色石头标记很难看,甚至打桩粉红色的石头在1982网站作为一个恶作剧。同时,一个骑摩托车的人已经由于一个石头标记死亡。然而,随着越来越多的树被种植人的感知的项目作为停车场的驱逐舰已经遇到越来越多的宽容。[ 1 ]

“我认为树是再生这本身是一个时间概念的一个元素。橡树是尤其如此,因为它是一种生长缓慢的树有一种很坚实的心木。它一直是一个雕塑的形式,象征着这个星球上自从德鲁伊,谁是在橡树叫做。德鲁伊是橡木。他们用橡树来定义他们的圣地。我可以看到未来…这样的使用植树的企业提供了一个非常简单而激进的可能性,当我们开始与七千橡树。”(在与Richard Demarco的谈话,1982约瑟夫·博伊斯)

“七千橡树种植只是一个象征性的开始。相反,其主动性、渐进性的特点,这样一个象征性的开始需要一个标记,在这种情况下,玄武岩柱。对于项目未来的目标包括:a)正在进行的计划植树是遍布整个世界作为一个全球性的任务,影响环境与社会变迁的“教育活动”的部分目的;b)在人类的更大的生态教育推广 依赖城市环境生长的意识;和C)一个持续的过程,社会将由人类创造性的将社会雕塑手段激活。”

他艺术作品和表演不是娱乐和娱乐观众。这是一个觉醒的信息从传统的、基于美的新概念,超越了即时满足整个识别。

“我不仅想刺激的人,我想激怒他们。”(巴斯琴,Heines和Jeannot Simmen,“约瑟夫·博伊斯访谈录”目录中的展览,约瑟夫·博伊斯、图纸、Victoria和Albert Museum,韦斯特勒姆出版社,1983,无页码)

以上我认为完全是鼓舞人心,它不仅带给社区一起,但它也给回地球。无论你认为这棵树是多么平凡,事实上这是我们生态系统的重要组成部分。树是地球的肺,产生氧气,我们作为一个物种生存的需要。还这样做令人惊奇的事和应该做的这个星球上的所有。

 

 

关系美学:社交|新不列颠博物馆的艺术…

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关系美学:社交艺术

 

关系美学是新的黑色:DIY艺术学校| art21…

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关系美学是新的黑色:DIY艺术学校

 

本李维斯的电视»关系艺术

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relational_gonzaleztorres…

 

Towards a critical relational art (illustrated talk) | D Rosier

drosier.wordpress.com604 × 453Search by image

I want to take you on a brief critical journey of relational art by looking at 3 works.

 

 

Hungry Hyaena: Her Colorful Obliteration

hungryhyaena.blogspot.com600 × 360Search by image

Yayoi Kusama “Obliteration Room” 2011-12

 

 

Relational Painting aka Black is Beautiful… | William Pope… | Flickr

http://www.flickr.com500× 294Search by image

Relational Painting aka Black is Beautiful… | by Art or Idiocy?

 

 

参与性和关系的艺术是什么?

 

这个介绍性的文本提供了参与和关系艺术概述。参与和关系艺术相关术语说明资本和详细阐述了词汇或术语光标悬停在。

 

参与艺术指的是一系列的艺术实践,包括关系美学,在强调的是放置在观众或观众在物理或概念实现的作品接受角色。参与式艺术的核心部分是观众或观众的积极参与。许多形式的参与艺术实践前景的合作作品的认识作用,deemphasising的专业艺术家为唯一的创造者或艺术品的作者的作用,同时通过公共意义和活动建立社会联系。长期参与艺术包含一系列的艺术实践,了解社会、政治、地理、经济、文化的需要,如社区艺术活动家,艺术,新类型公共艺术,socially-engaged艺术对话的艺术。

 

参与艺术可以是艺术形式具体,如视觉艺术、音乐或戏剧,也可以是跨学科的涉及范围跨越艺术形式的合作。他们也可以涉及非艺术机构合作,如社会组织、地方政府和社区发展组。产生的作品可以采取多种形式,由于参与式艺术的协同性,这可能是一个事件,情况或表现,而不是对象的生产。从这些遭遇中产生的相互作用通常翻译成纪录片的媒介,如摄影、视频或文本。

 

参与式艺术的出现是知情的早期先锋派运动如达达主义、建构主义和超现实主义,它提出的问题方面的独创性和著作权的概念和挑战对观众或观众的被动角色的传统假设。在这样做的时候,他们收养了一个反资产阶级的位置对艺术的作用和功能。

 

社会的60年代和感知的精英政治和文化动荡,社会脱离、艺术与现代商品化促成了新形式的政治,反动和社会参与的实践,如概念艺术,激浪派和情境。新技术的发展,通信和分布的改进机制,结合特定的艺术形式中打破,为艺术家与观众的互动上更大的可能性。新形式的实践是由艺术家,谁主动寻求新的艺术媒介,通过开放包容的实践形态的相互交流。这些实践新形式侵占非等级社会形态被一系列的理论和实践的学科,如女性主义、后殖民理论、精神分析批评理论与文学理论。而作者问题关注谁参与定义和艺术生产,艺术作品的观众的关系成为这些新兴的艺术形式实践中心轴。

 

假定作者控制的艺术家挑战特别是概念艺术家强调我们的想法或概念而不是一个有形的艺术品。他们创造的作品可以发现别人没有艺术家的直接干预。作品可以采取一套指令的形式,其中的参与者直接参与共同创造的艺术品。说明通过各种媒体沟通,如摄影、录像、绘画、文字、声音、表演、雕塑与装置。

 

同样,激浪派艺术家拒绝技艺的传统原则,艺术对象的持久性和艺术家的观念作为专家。激浪派艺术家认为艺术不是作为一个有限的对象作为一个基于时间的经验,使用性能和戏剧实验。激浪派艺术家在艺术变革的潜力感兴趣,通过合作。观众被鼓励与表演者互动,而没有情节的事件上演左艺术品打开机会和解释艺术。作品被发现在一个范围内的媒体,包括音乐、表演、活动、出版物、倍数和装配环境中构建包围观测器。这些举措往往孕育着车间的特点,即艺术家作为促进者,使观众对艺术的意义的哲学讨论。作品经常参加会议和公众示威的形式,事件或社会雕塑,使作品的意义来自于参与者的集体参与。激浪派一个共同的目标,事件和情境的事件是发展政治与艺术之间的一种新的合成,在政治活动,反映在streetbased艺术实践以消除艺术和生活之间的区别,一个激进的手段。

 

参与艺术实践的发展也已获悉,由公共艺术计划的发展型,其中许多是在上下文中的大规模的城市改造和更新的举措。参与艺术活动对公众参与和参与的重点可以在达成共识的过程,以及这种再生举措批判的重要元素。经济衰退和社会政治动荡年代结合造成的异化的资本主义和对群落结构的影响,导致越来越多的认识艺术的潜力作为一个工具来解决社会问题,在社会包容的特殊问题。受早期的社会交往和活动的艺术,很多艺术社区的组织和活动,在这一时期出现了。社区艺术强调艺术带来的艺术的主动社会方面的作用是必要的。对话美学是一个用来描述这种社会从事艺术对话的积极作用项。在这一时期,国家机构资助艺术开始在他们的客户组织对突发事件,如博物馆、画廊、剧院和艺术组织,以鼓励艺术中的公众参与,尤其是在边缘部分或社会排斥的选区。艺术的非艺术的议程来利用了关于艺术的角色和观众之间的关系的争论,继续通知参与艺术思考今天。

 

在上世纪90年代后期参与的概念已经扩大了新一代的艺术家确定标题下的关系或关系美学艺术。这一词是由法国策展人关系美学来描述一系列的开放式的艺术实践,关心人的关系网络和社会环境中,这种关系的出现。关系的艺术也强调作品的概念作为礼品,采取多种形式,如餐、会议、聚会、海报、铸造会议、游戏、讨论的平台和其他类型的社会活动和合作。在这样的背景下,强调的是作品的使用。艺术是艺术家和依赖于别人的反应,使观众之间的信息交换的关系。

 

在第二十一世纪,一个新的学期,altermodern实时通信的快速加速,也由Bourriaud设计,提出了一种替代后现代主义的概念谱系。Bourriaud认为,新的市场经济的开放和艺术家和观众的流动性刺激了新模式的政治和文化的交流和参与。通过全球分销系统,艺术家可以跨越地理和政治的界限。一种新的文化框架组成的移民,迁移和迁徙提供了一种新的解释和理解模式的艺术品。全球文化的权力下放了艺术家和观众之间的交流新的格式,这是不断的敏感和适应现成的技术。数字技术和互联网的全球社交网络可以促进一种参与的感觉,没有任何一个位置的人的聚会。这是在传统的社区和我们的经验的艺术观念的根本性转变。

 

参与和关系艺术提高对社会的意义和目的,艺术的重要问题,关于艺术家的角色和观众的经验作为参与者。许多艺术机构、博物馆和美术馆,如爱尔兰现代艺术博物馆,在政策和实践相结合的参与式艺术的包容性原则、告知策略规划和观众与当代艺术发展提供有意义的参与机会。

 

爱尔兰现代艺术博物馆,皇家医院,Kilmainham,都柏林,8,爱尔兰

 

从维基百科,自由的百科全书

关系的艺术或关系美学是一种模式或艺术实践的最初观察到的趋势,突出了法国艺术评论家关系美学。Bourriaud的方法定义为“一组艺术实践作为自己理论和实践的出发点,人与人的关系和他们的社会环境的整体,而不是一个独立的私人空间。”[ 1 ]的艺术家可以更准确地视为“催化剂”之间关系的艺术,而不是在中心。[ 2 ]

 

 

 

主要文章:交通(艺术展)

一个分析和分类技术从上世纪90年代的第一次尝试,[ 3 ] [ 4 ]关系的艺术理念是由关系美学于1998在他的书中斯é公司relationnelle(关系美学)。[ 5 ]一词最早是在1996,目录中的展览策划的交通CAPC亩éE艺术品contemporain de波尔多Bourriaud。[ 6 ]交通包括Bourriaud会继续指在上世纪90年代的艺术家,如Henry Bond,Vanessa Beecroft,Maurizio Cattelan,Dominique Gonzalez Foerster,Liam Gillick,Christine Hill,Carsten Höller,Pierre Huyghe,Miltos Manetas,Jorge Pardo,Philippe Parreno,和Rirkrit Tiravanija。[ 7 ] [ 7 ] [ 8 ] [ 9 ]

 

关系美学

Bourriaud希望接近艺术的一种方式,不再“以60年代艺术史”背后的庇护所,[ 10 ]而追求提供了不同的标准来分析常常不透明的、开放式的艺术在上世纪90年代的作品。要做到这一点,Bourriaud进口的上世纪90年代的互联网泡沫的语言,使用的术语,如用户友好性、互动性和DIY(自己动手)。[ 11 ]在他的2002本书的后期制作:文化艺术如何改编剧本:世界,Bourriaud描述了关系美学作为一本书解决作品作为自己的出发改变心理空间通过互联网打开一点。[ 12 ]

 

关系的艺术

艺术家包括Bourriaud的关系美学的范畴下的包括Rirkrit Tiravanija,Philippe Parreno,Carsten Höller,Henry Bond,道格拉斯·戈登,Pierre Huyghe。

 

Bourriaud探讨了这种关系美学观念通过他所谓的关系艺术的例子。据Bourriaud,关系艺术包含一系列的艺术实践,以其理论与实践的出发点,人与人的关系和他们的社会环境的整体,而不是一个独立的私人空间。”[ 13 ]

 

艺术品创造一个社会环境中的人一起参加共同的活动。Bourriaud称,“艺术品的作用不再形成想象和乌托邦的现实,但实际上在现有房是生活和模式的行动方式,任何规模的艺术家选择的。”[ 14 ]

 

Robert Stam,负责新媒体和电影研究在纽约大学,创造了一个共享的活动组词:见证公众。目睹了公众的“松散的个人集合,通过媒介构成,作为不公正,否则可能没有或悬而未决的观察员。“关系艺术的意义时创建的艺术感知的改变而留下的原物完好。[ 15 ]

 

这方面的一个例子是“frenchising蒙娜丽莎”,那里的艺术家Amir Baradaran邀请顾客在巴黎卢浮宫博物馆体验蒙娜丽莎披着盖头的风格的法国国旗。使用增强现实baradaran呼吁悖论。增强现实层虚拟内容对房地或与移动格式的AR应用中直接使用的时间和地点经历过的事情。[ 16 ]

 

悖论的呼吁是蒙娜丽莎还戴着面纱,但一个是社会认可的。这是指法律在法国颁布了妇女戴头盔违法,如NIQāB,包括他们在大众面前。

 

在关系的艺术,观众被设想为一个社区。而不是作品被观众和对象之间的相遇,关系艺术生产主体间的邂逅。通过这些接触,意思是阐述了集体,而不是个人消费空间。[17 ]

 

在“对抗和关系美学”,在10年出版,克莱尔主教描述了东京宫的美学作为“实验室”,“策展手法”艺术在上世纪90年代产生的。[ 19 ]主教写道,“这种坚持推广这些想法影响艺术家设计,功能在沉思,在审美决议开放往往最终以提高馆长的地位,谁收益的信贷期管理全面的实验室经验。Hal Foster警告说,在上世纪90年代中期,“机构可以掩盖,否则工作亮点:它成为奇观,它收集的文化资本,导演和策展人成为明星。’”[ 20 ]主教将Bourriaud的书作为一个重要的第一步,在确定的倾向,在艺术的年代。[ 21 ]然而,主教也问,“如果关系艺术产生的人与人之间的关系,那么下一个合乎逻辑的问题要问的是什么类型的关系正在产生,为谁,为什么?“[ 22 ]她继续说,“关系建立的关系美学本质上是不民主的,正如Bourriaud指出的,因为他们也休息的舒适在一个主体为一体的理想社区内在凝聚力。”[ 23 ]

 

娜娜 by 妮基·桑法勒 in Hanover德国

Cher Krause Knight states, “art’s publicness rests in the quality and impact of its exchange with audiences … at its most public, art extends opportunities for community engagement but cannot demand particular conclusion”, it introduces social ideas but leaves room for the public to come to their own conclusions.[1] In recent years, public art has increasingly begun to expand in scope and application — both into other wider and challenging areas of artform, and also across a much broader range of what might be called our ‘public realm’. Such cultural interventions have often been realised in response to creatively engaging a community’s sense of ‘place’ or ‘well-being’ in society.

该委员会还可以导致身体,永久的艺术品和雕塑。这些也往往涉及越来越多的集成与应用艺术类应用。然而,他们也开始包括其他的,更多的过程驱动和基于行动研究和艺术实践。因此,这些并不总是依赖于在所有物理的或永久性的艺术品生产(尽管他们还经常做当然)。这个公共艺术的范围扩大,可以包含许多不同的做法和形式。这可能是实现独立或协同组合涉及多学科的方法。其潜在的范围当然是无止境的,不断变化的,并受到持续的争论和意见分歧者,艺术家,策展人,和委托客户。

纪念碑,纪念馆和公民 雕像 are perhaps the oldest and most obvious form of officially sanctioned public art, although it could be said that architectural sculpture and even 建筑 itself is more widespread and fulfills the definition of public art. Increasingly most aspects of the built environment are seen as legitimate candidates for consideration as, or location for, public art, including, street furniturestreet lighting锁上 雕塑和 涂鸦公共艺术不局限于物理对象; 舞蹈, 游行, 街头剧 甚至诗歌都有支持者,专攻公共艺术。

雕塑作为公共艺术往往是由耐用、容易照顾的材料,避免元素和 效果最差肆意破坏公物;然而,许多作品的目的也只是短暂的存在,是由多 短暂的 材料。永久工程集成 有时建筑 和 景观美化 in the creation or renovation of buildings and sites,an especially important example being the programme developed in the new city of Milton Keynes, England.

Some artists working in this discipline use the freedom afforded by an outdoor site to create very large works that would be unfeasible in a gallery, for instance Richard Long’s three-week walk, entitled “The Path is the Place in the Line”. In a similar example, sculptor Gar Waterman 创造了一个巨大的拱脚测量35x37x3横跨一个城市的街道在 纽黑文,康涅狄格[ 2 ] 在过去的30年中,遇到的最大的关键,是件颇受好评的作品 克里斯托, 罗伯特·史密森, 安迪·高兹沃斯, 詹姆斯·特瑞尔 和 安东尼·葛姆雷其作品,或将其环境的反应。

艺术家制作的公共艺术的大师,如 范围米切朗基罗, 毕加索,和 Joan Miró, to those who specialize in public art such as 克莱斯·奥登伯格 and Pierre Granche, to anonymous artists who make surreptitious interventions.

In Cape Town, South Africa, Africa Centre presents the Infecting the City 公共艺术节。其策展的任务是创造一个为期一周的平台,公共艺术–无论是视觉或表演艺术,或艺术的介入–振作起来的城市空间,使城市的用户在新的和令人难忘的方式查看城市。影响城市节认为,公共艺术应该是自由开放的公共空间都在[ 3 ]

 

公共艺术的历史

在上世纪30年代,国家象征十九世纪古迹暗示生产开始被宣传的目标长期的国家计划调节(联邦艺术项目,美国;文化办公,苏联)。如罗斯福总统的 新政 促进公共艺术发展中的 大萧条 却造成了宣传的目标。新政艺术支持计划旨在开发在美国文化中的民族自豪感,同时避免对摇摇欲坠的经济,说文化是建立在。[ 1 ] 虽然有问题,新的解决方案如FAP改变艺术家与社会之间的关系,通过艺术来访问所有的人。[ 1 ] 新政计划在建筑艺术上(a-i-a)开发的 百分比艺术 程序,用于资助公共艺术今天还利用结构。这个节目给了一半的所有政府大楼总建筑成本购买美国当代艺术的结构百分之一。[ 1 ] a-i-a帮助巩固在美国应该由公众真正拥有公共艺术的原则。他们还建立了特定地点的公共艺术的欲望的合法性。[ 1 ] 当有问题的时候,早期的公共艺术项目设置为当前公共艺术发展的基础。沃尔夫·沃斯德 ruhender规划 / 静态交通,Cologne,1969

这对公共艺术的概念从根本上改变了上世纪70年代,跟踪到民权运动的主张在公共空间,在1960和雕塑的概念修改结束城市再生项目和艺术干预之间的联盟。[ 4 ] 在这种背景下,公共艺术获得地位,超越了单纯的装饰和公共空间的官方历史的可视化,因此获得自治的一种形式,在公共利益领域的网站建设和干预。公共艺术成为更多公众。[ 1 ] 观点的改变也在加强这些年城市文化政策的存在,例如纽约的 公共艺术基金 (1977)和几个城市或区域分为美国和欧洲的艺术项目。此外,重新对公共艺术的话语从一个国家到地方一级,符合定位的转向和关键位置,对机构的展览空间的新兴当代艺术实践自上世纪60年代以来,将创建一个深和更相关的连接之间的艺术品生产和网站,它是可见的提示不同的方向。1969 狼vostells 静态交通 是Cologne制造的。

土地的艺术家 选择把大规模的、面向过程的干预的情况下远程景观;在斯波莱托艺术节(1962)创造了在斯波莱托的中世纪城市雕塑的露天博物馆,和 德国城市我ü明斯特 开始,1977,一个策划的事件使艺术在城市公共场所每10年(雕塑projekte Mü明斯特)。在小组展示 当态度成为形式[ 5 ] 展览情况扩大了公共空间的 海泽 和 丹尼尔·布伦的干预措施;建筑规模在艺术家如 工作出现唐纳德贾德 以及 戈登马塔克拉克的临时干预了城市建筑。

 

公共环境艺术

香格里拉Joute通过  保罗·里奥皮勒,室外 动力学雕塑 安装 with fire jets, fog machines, and a fountain in 蒙特利尔

Between the 1970s and the 1980s, gentrification and ecological issues surface in public art practices both as a commission motive and as a critical focus brought in by artists. The individual, Romantic retreat element implied in the conceptual structure of Land art and its will to reconnect the urban environment with nature, is turned into a political claim in projects such as Wheatfield – A Confrontation (1982),由美国艺术家 丹尼斯,以及在 波依斯“ 7000橡树(1982) 。项目注重生态意识的提高通过绿色城市设计的过程中,将定义种植小麦12英亩的土地在曼哈顿市中心和Beuys厂7000橡树与卡塞尔市玄武岩块,德国游击队或社区花园时尚。近年来,绿色城市更新旨在将废弃的大量绿地经常包括公共艺术计划。这是高艺术线条,2009的情况下,为 委员会程序高线公园,来自铁路在 部分转换纽约市和 ;三角铁路站2012、一个城市公园,从柏林的主机,一个火车站的部分恢复原状,自2012以来,一个露天的当代艺术展。

上世纪80年代也见证雕塑公园策划程序的制度化。而第一个公共和私人的露天雕塑展览和收藏可以追溯到上世纪30年代[ 6 ] 旨在建立大型雕塑的形式适当的设置很难在博物馆展示,如 经验野的花园在  皇后(1985),纽约州的艺术品和网站之间的永久关系的必要性。

这条线在 发展也唐纳德贾德对 项目Chinati基金会 (1986)在德克萨斯,倡导大型设施的永久性的脆弱性可能被破坏时,重新定位工作。审判法官Edward D. Re指示1985重新定位美国艺术家 理查德·塞拉’s 倾斜之弧, a monumental intervention commissioned for 曼哈顿‘s Federal Plaza by the “Art-in-Architecture” Program, also contributes to the debate about public art site-specificity. In his line of defence for the trial, Richard Serra claims: “倾斜之弧 was commissioned and designed for one particular site: Federal Plaza. It is a site-specific work and as such not to be relocated. 删除工作是破坏工作”。在 审判倾斜之弧 显示在公共艺术的位点特异性发挥的重要作用。此外,一个由法官Edward D. Re带到审判的争论是美国联邦广场社区用户对Serra的干预和艺术社区的支持不耐受,由艺术批评家 代表克林普的证词。在这两种情况下,观众的位置本身作为公共空间的艺术干预的主要因素。在这一背景下,公共艺术的定义是包括艺术项目为重点的公共问题(民主、公民权、集成);参与艺术活动涉及社区;艺术项目委托和/或由公共机构资助,在百分比艺术计划,或由社区。

 

新类型公共艺术在上世纪90年代:反纪念碑和纪念活动

在上世纪90年代,这些新的做法,从以前的艺术形式出现在公共空间的分化明显需要不同的定义,他们中的一些更具体的(语境的艺术, 关系的艺术, 参与式艺术, 对话的艺术, 以社区为基础的艺术行动主义艺术), other more comprehensive, such as “new genre public art”.

In this way, public art functions as a social intervention. Artists became fully engaged in civic activism by the 1970s and many adopted a pluralist approach to public art.[1] This approach eventually developed into the “new genre public art”, which is defined by 苏珊娜·蕾茜as “socially engaged, interactive art for diverse audiences with connections to identity politics and social activism”.[1] Rather than metaphorically discussing social issues, as did previous public art, practitioners of the “new genre” wanted to explicitly empower marginalized groups, all while maintaining aesthetic appeal.[1] Curator Mary Jane Jacob of “Sculpture Chicago” developed a show, ‘’Culture in Action’’, in summer 1993 that followed principles of new genre public art. The show intended to investigate social systems though audience participatory art, engaging especially with audiences that typically did not participate in traditional art museums.[1] While controversial, Culture in Action introduced new models for community participation and interventionist public art that reaching beyond the “new genre”.

Earlier groups also used public art as an avenue for social intervention. In the 1960s and 70s, the artist collective Situationist International created work that “challenged the assumptions of everyday life and its institutions” through physical intervention.[1] Another artists collective interested in social intervention, Guerrilla Girls, started in the 1980s and persists today. Their public art exposes latent sexism and works to deconstruct male power structures in the art world. Currently, they also address racism in the art world, homelessness, AIDS, and rape culture, all socio-cultural issues the greater world experiences.[1]

In artist 苏珊娜·蕾茜’s words, “new genre public art” is “visual art that uses both traditional and non traditional media to communicate and interact within a broad and diversified audience about issues directly relevant to their life”.[ 7 ] 她的地位意味着在调试公共艺术的条件思考,关系的用户,更大程度上,对观众的作用不同的解释。在艺术家如Hans Haacke的制度批判实践(自上世纪70年代)和Fred Wilson(自上世纪80年代),作品的公共性对应于可见的公共舆论和公共领域中的争议性的公共问题如歧视性政策或行为违法企业博物馆。

在公共领域中的公共关系问题也是可见的反纪念碑性哲学的基础,其目标是挖掘正史的意识形态。另一方面,在公共场所,通常致力于制度的叙述介绍亲密的元素,如在 工作霍尔泽[ 8 ] 多·加尔的项目 ES您幸福吗?/你快乐吗?[ 9 ] 和 冈萨雷斯托雷斯“广告牌图片。[ 10 ] 另,通过指向现有的公共雕塑和纪念碑的不协调,如 克日什托夫·沃迪奇科的视频投影到城市的纪念碑,或在柜台古迹建筑(1980)和 克莱斯·奥登伯格的 口红(升序)履带 (1969-1974年),一个巨大的混合流行的对象–口红–这座履带。委托建筑的耶鲁大学学生协会,后者坐落在校园中的1982次世界大战纪念馆门前的大型雕塑, 林璎,当时在耶鲁建筑一个高中生,完成 建设越战纪念碑,上市的美国公民死于越南战争59万名。林选择这项工作列出死者的姓名没有产生任何图片说明的损失,如果不通过削减–喜欢在安装现场受伤–存在。削减现场/非现场逻辑将作为一个意象在当代纪念馆自上世纪90年代留下的。[ 11 ]

另一个纪念的战略是专注于负责伤亡冲突的起源:在这一行, 罗伯特·费列欧 提出,在他的 commemor (1970),有欧洲国家交换他们的纪念碑; 埃丝特Shalev途径 和 Jochem Gertz 建 纪念反法西斯 (1983年)在德国汉堡市。其他人,如 赫希霍恩,建立与当地社区合作,不稳定的反纪念碑专门思想家如 斯宾诺莎 (1999年), 吉尔德勒兹 (2000)和 乔治·巴塔耶(2002)。

 

在第十三届伊斯坦布尔双年展之际,在土耳其2013伊斯坦布尔平台inenart推出公共空间网络研究作为政治论坛的抗议活动后,在标题的声音在城市的文化习俗和现象表达的风气,批评观点的愿望,开放和梦想的特定人群的时期引发戏剧性的文化变迁。城市的声音集中在离开主流文化价值的持久影响的 现象情境主义国际 做漂流和 实践Détournement在土耳其抗议文化与新词 描述Çapuling became as well a focus point of Urban Voices.[26]

In December 2013, the Bristol, UK based organisation Situations published The New Rules of Public ArtSituations reimagines what public art can be and where and when it can take place. They like to think and reflect on what happens when the spark of an idea is lit. These rules open up the potential for artists to make extraordinary ideas happen in unusual and surprising places, through which audiences and participants are inspired to explore new horizons.[27]

互动式公共艺术[编辑]

公共喷泉雕塑,也是一种乐器(hydraulophone),其中任何成员,市民可以在白天或夜晚的任何时间玩。

Daan Roosegaarde –晶体存在的个体盐晶体光了数以百计的当你与他们互动。

公共艺术的一些形式的目的是鼓励观众参与动手实践的方式。例子包括公共艺术安装在实践科学博物馆等主要建筑的中心在安大略科学中心前。这个永久性安装的作品是一个喷泉,也是一种乐器(hydraulophone),市民可以在白天或夜晚的任何时间玩。公众的成员与阻断水流迫使水通过各种发声机制内的雕塑。

在 联盟的钟声比拉容马尔, 墨尔本 也是公共艺术作为一种乐器。

Rebecca Krinke的“地图的欢乐与痛苦”和“需要说”邀请公众参与。In “Maps” visitors paint places of pleasure and pain on a map of the Twin Cities in gold and blue; in “What Needs to be Said” they write words and put them on a wall. Krinke is present and observes the nature of the interaction.[28] Dutch artist Daan Roosegaarde explores the nature of the public. His interactive artwork Crystal in Eindhoven 可以共享或被盗。晶体存在的个体盐晶体光了数以百计的你在与他们交流的 [ 29 ]

通过 户外互动装置Maurizio布洛里尼 (热那亚,2005),大家可以修改通过手机。

在 展出公共艺术克拉伦斯码头, 利兹, 英国

从一个更广泛的框架,艺术和电影的关系,[ 30 ] 和电影史;其他类型的“公共艺术”是值得考虑的媒体和电影在数字空间艺术作品。[ 31 ]根据Ginette Vincendeau和Susay Hayward,他们认为在他们的书“法国电影:文本与语境”,在伦敦大学教欧洲高等教育电影介绍,电影是一种艺术形式,并接着说,电影也是艺术。[ 32 ] 此外,电影在城市地区和古迹的历史公共空间的背景可以追溯到电影的父亲,Georges Mé李èS,以及该è重新兄弟发明了运动图像,通常被称为1896电影,一个艺术运动,在商业化电影业在巴黎世界博览会上展出了1900的高潮。[ 33 ] 我们快接近2016,后现代性的概念很多年,智能城市技术是由先进的资本主义社会的产生,[ 34 ] 也加强了公共艺术的概念,因为任何的艺术形式,是数字,也可以以电子方式传送和共享,通过互联网和其他技术的互联网治理的总体框架下,通过多边机构。[ 35 ]

时间2011 监护人曼弗雷德kielnhofer 灯柏林勃兰登堡门节

 

数字公共艺术

数字公共艺术结合公共艺术与 数字艺术[ 36 ][ 37 ] 像传统的公共艺术作品,数字公共艺术作品不同于那些在画廊和博物馆,他们将在公众发现,它一直声称,需要的引证] 坚持以下类别: [ 38 ]

  1. 在访问或向公众公开可见的地方:
  2. 有关或影响社会公共利益或个人:
  3. 维持或使用的社区或个人:公共场所
  4. 由公共支付:政府资助

虽然数字公共艺术与传统公共艺术作品可能会在他们的创作和展示新技术的使用,区分数字公共艺术作品是他们的技术能力明确地与观众交流。例子可能包括作品的响应存在–可以看出在 拉斐尔Lozano Hemmer的工作  <em>欠扫描</em>(2005),这是倾向之间的正式关系的观众和工作 [ 39 ] 和在线工作,如通过 启用社交网络举一个例子,后者可能是YouTube的 <em>生命在一天</em> 项目,要求公众提交的视频剪辑了一天,然后编辑成一部电影。

这些公共艺术的方法与数字 社区艺术 作品,(这也被称为社会从事新媒体艺术(森马) [ 40 ])从如何建立与观众,现场和结果。以社区为基础的数字作品的这些问题通过一个对话的过程,而不是一个明确的行动过程中,工作组的关系(例如在艺术品、艺术家和观众)。

 

 

公共艺术与政治

公共艺术经常被用于政治目的。最极端的和被广泛讨论的表现仍然使用艺术作为 宣传在  极权主义 政权加上同时压制异议。艺术在 方法约瑟夫·斯大林的 苏联 和 毛泽东的 文化革命在  中国 站为代表。

公共艺术也常常用来反驳那些宣传欲望的政治制度。艺术家用 文化干扰 技术,以大众传媒和解释它的游击战式的改编,以向公众有关的社会和政治问题的评论。[ 1 ] 艺术家用文化干扰促进社会交往在改变人们与世界通过操纵现有的文化希望政治问题。[ 1 ] 广告克星 杂志探讨当代社会和政治问题,通过文化干扰通过操纵流行的设计活动。[ 45 ]

在更开放的社会公共艺术的艺术家经常发现有用的推进自己的想法或建立一个 审查-与观众自由的手段。艺术可能是故意的,如临时设施和性能件的情况。这样的艺术有一个自发的质量。它的特点是表现在城市环境中未征得当局。在时间上,虽然有些艺术这种达到官方的认可。例子包括在哪些情况下 之间的线涂鸦 和”游击队“公共艺术是模糊的,如 艺术费克纳 放置广告牌,早期的作品 基思哈林 (不在 广告海报持有人许可执行纽约地铁 )和当前工作班克斯的 北爱尔兰的壁画 和那些在 洛杉矶 往往反应时间冲突。艺术提供了内外不良组在更大的社会交流的一种有效手段。从长远来看,这些作品,和许多人一样,在建立对话和帮助的桥梁,燃料人类冲突的社会裂痕是有用的。

 

公共艺术所面临的设计挑战的天性:如何激活其周围的图像。“的概念可持续性产生响应的感知环境不足的一个城市。 可持续发展通过 推向世界,联合国 自上世纪80年代以来,包括经济、社会、生态等方面。一个可持续的公共艺术作品将包括城市更新计划和拆卸。可持续性已经在许多环境和工程项目中广泛采用。 可持续的艺术 是一个公共开放空间需要的应对挑战。

 

 

 社会实践(艺术)

从维基百科,自由的百科全书

社会实践 是一种艺术媒介,注重社会参与,邀请协作与个人,社区,并在参与艺术创作机构。[ 1 ] 也被各种不同的名称:社会实践,[ 2 ] 社会从事艺术,[ 3 ]社区艺术,新类型公共艺术,[ 4 ] 参与式艺术, 干预艺术, 合作艺术[ 5 ] 关系的艺术 和对话美学。[ 6 ]社会实践艺术来应对日益增加的压力在艺术教育的协同工作,通过社会参与的形式。[ 7 ]

艺术家在社会实践中共同创造他们的工作与一个特定的观众或提出批评的干预存在的社会系统,激发辩论或催化社会交换中。[ 8 ] 社会实践作品集中在观众之间,相互作用的社会系统,和艺术家等议题 美学, 伦理, 协作,人物,媒体策略,并 社会行动主义[ 9 ]社会相互作用激发,驱动器,或者,在某些情况下,完成项目。[ 10 ] 虽然项目可能将传统演播室的媒体,他们在各种视觉的或社会的形式实现(根据上下文和参与者的人口统计变量如 )性能, 社会行动主义社区动员,或朝着一个共同的目标。[ 11 ]

 

社区艺术

从维基百科,自由的百科全书

社区艺术,有时也被称为“对话的艺术”、“社区参与”或“以社区为基础的艺术,“是指社区艺术活动。从这一体裁的作品可以是任何媒体的特点是互动、对话与社区。通常专业艺术家合作的人可能没有平时积极从事艺术。这个词是在60年代末期的定义和催生了一个运动,生长在美国,加拿大,英国,爱尔兰,澳大利亚。在斯堪的纳维亚,“社区艺术”意味着更多的当代艺术项目。

通常社区艺术建立在经济贫困地区,以面向社会、基层的方法。一个当地社区的成员将一起通过艺术的过程中表达的问题,有时这可能涉及专业艺术家或演员。这些公共艺术的过程,作为一个催化剂触发事件或变化的一个社区内甚至在全国或国际水平。

在英语国家,社区艺术往往被视为工作的社区艺术中心。Visual arts (fine art, video, new media art), music, and theater are common mediums in community art centers. Many arts companies in the UK do some community-based work, which typically involves developing participation by non-professional members of local communities.

 

Participatory art

From Wikipedia, the free encyclopedia

Participatory art is an approach to making art in which the audience is engaged directly in the creative process, allowing them to become co-authors, editors, and observers of the work. Therefore,this type of art is incomplete without the viewers physical interaction. Its intent is to challenge the dominant form of making art in the West, in which a small class of professional artists make the art while the public takes on the role of passive observer or consumer, i.e., buying the work of the professionals in the marketplace. Commended works by advocates that popularized participatory art include Augusto Boal in his Theater of the oppressed, as well as Allan Kaprow in happenings.

One of the earliest usages of the term appears in photographer Richard Ross (photographer)’s review for the Los Angeles Institute of Contemporary Art journal of the exhibition “Downtown Los Angeles Artists,” organized by the Santa Barbara Contemporary Arts Forum in 1980. 描述原位Jon Peterson作品(艺术家),Maura Sheehan和Judy Simonian以匿名的方式放在圣巴巴拉,罗斯写道,“这些艺术家承担的社会责任。他们的艺术是参与”[1 ]。

作品是互动参与性可称为“参与式艺术;也可以分条款包括关系艺术、社会实践、社区艺术,和新类型公共艺术。

民间艺术也被认为是“参与式艺术”在许多或所有社会成员的参与艺术创作。作为民族音乐学学者Bruno Nettl写道,部落集团”没有专业化、职业化;其分工几乎完全取决于性别和年龄,偶尔,很少有某个人精通任何技术独特的程度…同样的歌曲是由该小组成员称,在组成小专业化、性能或仪器制造。”[ 2]

在俄勒冈人文杂志的秋/冬的问题,作家Eric Gold描述的“艺术传统,被称为“社会实践”,是指艺术家、艺术作品和观众,他们彼此相互作用的介质。当一个画家用颜料和画布,和雕刻的木头或金属,社会实践的艺术家经常创建一个场景中,观众被邀请参加。虽然结果可能与摄影、视频、文件或其他的作品是真正从与艺术家和观众的参与情况出现的相互作用。”

参与或互动的艺术创造的艺术家之间的动态协作,观众和他们的环境。参与式艺术是不是你站着不动,静静的看着–这是你参加。你触摸它,闻它,写它,和它说话,跟它跳舞,玩它,学习它。你共同创造了它。在美国的一个例子,参与或互动艺术是虚构的

学校和社区艺术项目后,要真正培养学生通过艺术和提供他们的经验和机会,他们没有在学校环境中一个令人难以置信的机会。在这种环境下 教学超越了测量结果完全的艺术发展和学业成绩。该方法把焦点放在整个儿童和他们如何与他们的同龄人,他们的社区,和外面的世界。结果往往是基于发展重要的生活技能、社会情感的发展,公民参与,社会变革和正义,在艺术和创意产业学院和职业准备,在其他指标。这些努力已经被定义为有创意的青年发展(CYD)。

 

 

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